En el piso superior de la Galería Miranda Bosch, casi a oscuras – por un corte de luz – rodeado de cuadros, Leonardo Damonte habla sobre su profesión desde hace 10 años como artista contemporáneo y como profesor en la escuela de arte de Mercedes y en la de Luján.

“Soy artista y soy espectador: consumo mucho arte especialmente cuando viajo.”

Damonte prefiere no exponerse. Le gusta infiltrarse en sus exhibiciones, escuchar los comentarios de los espectadores y conocer sus lecturas. Es que no condicionar al espectador es clave para él: dejar que la gente tenga su propia visión estética, su propia interpretación sin ser forzada. “Cuando escucho la interpretación de diferentes personas sobre la obra, hay gente que se aproxima mucho a la idea original y hay otra que delira, eso está buenísimo. Me divierte.” Ejemplifica con una anécdota: “Una vez hubo un caso de un padre con un hijo discutiendo sobre una de mis obras. El primero veía un barco mientras que el segundo veía un robot y en realidad no había ninguno de los dos”.

Si bien el artista no piensa en el público mientras crea, sí siente cierta presión cuando lleva a cabo sus muestras. “Sentís una mezcla gratificante de pudor, adrenalina y cansancio [al ser montada en el espacio, la obra es retocada hasta el último minuto]. Eso que era personal ahora es del público, como si se desprendiera una parte de uno y tuviese vida propia.” Las redes sociales ayudan a esta causa, manteniendo las obras latentes en el tiempo independientemente del lugar físico en donde se encuentren. “Con las redes sociales tus obras se van de tu poder, no las podés controlar. Se fue, se disparó y no sabés donde va a llegar”.

Por otro lado, vincular la educación con el arte contemporáneo amplía el público. Como profesor, Leonardo, siempre trata de guiar a sus alumnos, de ser un acompañante en su formación y en el discurso de cada uno. “No busco bajar una línea”, dice, aunque la teoría cubre un papel importante. “Hay gente que cree que tirando una lata de pintura al piso ¡voilà! Hay arte contemporáneo, pero eso no tiene significado alguno detrás”. Por su parte, tuvo una educación formal, pero venir a la CABA  le abrió el panorama al punto de tener una formación autodidacta dentro del arte contemporáneo. Sus antecedentes en la escultura lo incentivan a trabajar con el espacio físico. Su sello de identificación son las luces mientras que los objetos que selecciona mantienen cierto criterio, siendo estos elementos de señalización vial, de construcción, entre otros. “Igualmente no me caso con las ideas”. A pesar de la existencia de artefactos lumínicos en su trabajo y de haber estado involucrado en eventos vinculados con la tecnología, no se considera un artista tecnológico.

Cuando se termina una obra, se empieza a armar otra. “Es algo cíclico. Últimamente trabajé en una trilogía de obras amarillas, porque me interesaba experimentar con el color. Ahora estoy interesado en prestarle más atención a la materialidad de los objetos que utilizo.” Bajo su criterio, el artista investiga, se arriesga, se da permisos. “Podés seguir reglas hasta el límite o romperlas todas. Por eso me considero un nene en un cuerpo de adulto que juega constantemente. Sin esa diversión, perdería la magia”

La elección de los materiales depende del proyecto que quiera llevar a cabo. “Designifico los objetos, los rescato del mundo de los objetos”. El artista se deja llevar por la seducción que le producen. “Es una relación de amor-odio, a veces los tengo en el taller sin uso porque tuve un primer amor que luego se desvaneció, aunque a veces la tensión vuelve”. La paleta cromática con la que trabaja le lleva a elegir en efecto cadena los materiales. Además, presta atención a su morfología, buscando cierta armonía entre todos los componentes de la obra.

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¿Qué significa para vos el fenómeno del arte contemporáneo?

Implica un público más comprometido – que busque, que investigue – , con una lectura personal, sin pauta. El artista contemporáneo es un empresario del arte. Es necesaria la autogestión. Por ejemplo, es complicado trabajar con empresas que te patrocinen porque no siempre les interesa vincularse con el arte. Otras veces se prestan, entonces tengo más acceso a materiales, aunque su participación en la obra no es del cien por ciento.

¿Considerás que el arte contemporáneo refleja la realidad actual?

No suele haber tendencias en la disciplina, pero sí en ocasiones me veo limitado por los materiales. A veces muchos componentes no entran al país ni se producen. Esta es una de las razones por las que el artista contemporáneo es un investigador. Hay que buscar disponibilidad  de objetos y alternativas.

Leonardo Damonte no se considera introspectivo: “La idea romántica del artista me asusta, prefiero investigar y experimentar con lo externo”. Sueño de fiebre (como se llama su última obra) tiene su título inspirado en un poema, la idea de la obra de la carretilla la tomó de unas que estaban apiladas en una ferretería.  Damonte afirma haberlas visto y haber pensado: “esto es arte”. El tipo de arte con el que trabaja está ligado al azar. “Yo tomo algo hecho sin intensión artística, y le quito su significado, aporto algo así como una ayuda para crear con ello una obra de arte”. De todos modos, el modus operandi de cada artista es diferente en cada caso. Lo que funciona para uno es inútil para el otro.

¿Qué te inspira?

“Soy muy visual, es como un zapping constante de mucha información que se va filtrando”.

Desde su perspectiva, las formas lo cautivan. Incluso en el supermercado dice maravillarse con las formas y los productos:

“Voy con una intensión artística al supermercado. Quizás mientras la gente busca lo que tiene que llevar a su casa, yo estoy contemplando el modo en el que están apilados los trapos de piso, y eso me inspiró. Constantemente estoy viendo posibilidades en los objetos. Así, me agota un poco más que al resto ir al supermercado”. Tener una gran apertura estética, para el artista permite a uno disfrutar de los pequeños detalles. “A veces veo una vidriera y así como está la llevaría a un museo” dice haciendo referencia a aquellas personas con habilidades artísticas no dominadas, que crean inconscientemente; “como un repositor de un supermercado, por ejemplo”.

Incorporar sonido a su trabajo es algo pendiente en la mente de Leonardo, quien suele trabajar con distinta música según su estado de ánimo y el contexto en el que se encuentra.

¿Es difícil vivir como un artista en Argentina?

Yo vivo del arte, como profesor y como creador. Hay artistas cuyo arte tiene más posibilidad de circulación en el mercado, mientras que otros se ven ante una dificultad por la escases de demanda de lo que hacen. Soy un artista que está dentro del circuito del arte, pero fuera del mercado. En otros países hay un mercado de arte más fuerte que en el nuestro.

A su vez, hay algunos factores económicos que limitan las ideas de Damonte:

“Algunas obra quedan en stand-by por la imposibilidad de llevarlas a cabo, teniendo en cuenta los precios altos y la numerosa cantidad de elementos que necesito”. No reutiliza los materiales de sus obras ya que bajo su criterio el significado de los objetos se confirma por el uso que se les da. “Me interesa llegar al grado cero de las cosas”; explica este término tomando como ejemplo una carretilla: “si la lleno con cemento es una carretilla, si le pongo un almohadón, la resignifico y es un sillón, pero si la invierto ya no es nada, sólo es material”.

Ping – Pong

  • Plástico: Fetiche
  • Sol: Energía
  • Monet: Primavera
  • Miró: Juego
  • Textil: Sogas
  • Oscuridad: “La domino, no entra en mi vida en ningún aspecto”
  • Grecia: Perfección
  • Agua: Felicidad
  • Luz: Atracción
  • Vidrio: Frío. Fragilidad.
  • Moda: “Creo que la moda, el estilo, lo estético y el arte van de la mano. A la moda la tomo como piezas que vas adquiriendo y que hablan de uno. Nunca se puede estar fuera del circuito de la moda, por eso está bueno que te represente”

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